MADEINUSA. Claudia Llosa

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Madeinusa me dejo sentimientos encontrados. Es una película que muestra una cosmovisión peruana muy marcada y definida, que busca darle un giro a las cosas como siempre se establecieron y se vieron. Claudia Llosa logra darle este ángulo completamente diferente y lo que siempre fue visto como santo, limpio, se tergiversa un mundo oscuro, violento, nostálgico.

Logra mostrar efectivamente a los pequeños pueblo que existen en nuestro Perú, la película podría ocurrir en cualquier lugar y esto habla de que la historia está muy bien construida. Los escenarios están muy bien definidos, y elaborados: se muestran como realmente son. Los personajes también, son realistas, podría ser cualquiera que viva en un pueblo o provincia del Perú.

Ella busca llevar realidad y veracidad a la cosas. Lo cual me parece interesante que esto se contrasta con lo que sucede, el evento que es que en Semana Santa Cristo muere y no ve nada, todos pueden hacer lo que quieran y no serán juzgados. Entonces qué pasa, surge este casi “realismo mágico” donde se siente una atmósfera de caos, desesperación. La historia se da  de una manera totalmente verídica y real en un contexto inexistente y me parece que se logra captar la esencia de las cosas. La sierra peruana está llena de misticismo, de ideas antiguas, que se contrastan con ideas impuestas con la llegada de los españoles y me parece que la película logra captar esta mezcla entre culturas sin perder la esencia de la misma, de la vida en provincia. 197812180_b0043ca76d_o madeinusa madeinusa1 madeinusa21 p8

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ASU MARE

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Asu Mare es una comedia peruana, que efectivamente cumple con su cometido: divierte al público, es efusiva y crea una identificación con el espectador.

Como su nombre lo dice, esta película es bastante coloquial, muy “de calle” y busca mostrar lo criollo peruano. Es bastante matizada con estereotipos limeños, exagerada muchas veces y esto eleva el nivel de comicidad. Los personajes son elocuentes, chistosos, y engloban características del sociedad limeña que es una mezcla de todo un poco. Se muestra entonces un poco de todo: clases más bajas, hasta clases más altas, contrastes entre escenarios, vestimenta, música, etc. La interacción entre este elemento es lo que da de resultado una película emotiva unida por la historia de superación de un personaje que por más que sea gracioso muchas veces tiene sabor a desesperanza por la misma confrontación entre las sociedades en las que se mueve.

Lo interesante es cómo esta dividida la película ya que es biográfica pero esta presentada como un stand up comedy, e intercalada con los recuerdos que el personaje principal narra en el escenario. Esto me parece que es bastante efectivo para resaltar esta idea de comedia ya que no sólo se nos narra una historia por el mismo personaje que le da su propia gota de humor sino que lo vemos además por nuestros propios ojos.

Otra cosa que vale resaltar es que fue una película bastante mediática y muchas veces esto se ve reflejado en ella. Aparecen muchas marcas, algunas no de manera muy sutil. La estética va un poco de la mano de esto ya que se ve casi como si todo fuera un constante comercial de televisión.

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Fanny y Alexander. Ingmar Bergman

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Bergman hace un bello canto a la libertad de pensamiento, a la luz, la reflexión sobre las relaciones familiares. La película tiene una atmosfera extraña, de ritmo muy personal y ambiente onírico, hay una presencia de elementos de carácter fantástico. Es  película dramática, narrada con maestría, interpretada con brillantez y fotografiada con precisión. Exalta el cine, el teatro, la magia, la fantasía y el amor. Hay una mezcla entre la fantasía que viene de la visión “real” y de la deformación con que observan el entorno unos ojos infantiles.Se puede ver  los dos puntos de vista, el del adulto y el del niño y toda la riqueza de la historia se desvelará en esta bifurcación de miradas. El adulto por ejemplo, ve un drama muy denso, atormentado, onírico y oscuro.

Fanny y Alexander es una película espectacular,con muchas sorpresa, pero donde además la tragedia parece ser admitida como parte de un todo mayor e incomprensible frente al cual sólo es posible rendirse. La puesta en escena es exagerada excesiva pero funciona muy bien, y el uso de colores es increíble y sorprendente. Dependiendo de la escena o momento aparecen diferentes colores de paleta, unos más fríos otros más cálidos. Son impresionantes las variaciones cromáticas, que se le agrega un juego de sombras combinado con diferentes planos. Se trasforma cada plano en un espectaculo visual.

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Fanny och Alexander sŠnds i SVT2 lšrdag 28 december 1996. Del 1:4. Foto: SF. Bildtext: Fanny och Alexander. Bilden fŒr endast anvŠndas i programpresenterande sammanhang. Fotografens namn, Sveriges Television samt programmets titel skall alltid anges.

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Hour of the Wolf. Ingmar Bergman

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La hora del lobo es esa hora del día en la que más gente muere y más niños nacen, aquella en la que los sueños se tornan en pesadillas. El silencio y la oscuridad de la noche jamás han estado tan llenos de significado con la estructura narrativa en la que se alternan lo real y lo pesadillesco.  Ingmar Bergman complementa de manera magistral este universo de horror psicológico, a partir de un proceso creativo, una estética propia y una forma completamente diferente de presentar el miedo.

Nos encontramos ante una película de horror, muy sombría y perturbadora.Una obra en la que el cineasta sueco reflexiona sobre las relaciones destructoras que tienen lugar entre el artista y su público.

En este sentido cabe recordar que la esencia del expresionismo es la interpretación subjetiva del mundo, predominando la imaginación y lo onírico sobre el realismo. Esto es lo que ocurre en el filme, donde la realidad se confunde con la imagen atormentada que tiene de la misma el protagonista, de modo que con frecuencia lo que vemos en pantalla no es más que la exteriorización de esos fantasmas y demonios internos que lo acechan. Situaciones que colocan  al  ser humano en los bordes de la locura y el deseo obsesivo. Sutilmente, Bergman crea una alucinación donde el delirio impera,

A pesar del manto aparente de terror que cubre la película, se trata más bien de una exploración a los rincones más oscuros de la condición humana, en las que se manifiestan las constantes de su autor; una película sobre el horror, probablemente la más sombría y perturbadora de toda la filmografía bergmanian

En un magnífico ejercicio de síntesis narrativa, utilizando la cámara fija y con un plano medio, el audio desplaza a la imagen y el personaje cuenta todo lo que hay que conocer. Uno de los grandes aciertos es la fotografía en blanco y negro, fuertes contrastes entre luces y sombras, haciendo patente la influencia expresionista en Bergman, tanto desde el punto de vista estético como conceptual, en este sentido impera la tesis fundamental de la corriente expresionista, la interpretación subjetiva del mundo, donde lo imaginario y lo onírico se imponen sobre la realidad. El uso de blancos saturados en los exteriores y negros que van de las penumbras a las sombras da el toque enfermizo y fascinante, haciendo la historia hipnótica, provocando que siga el desarrollo de la trama  como si de una realidad se tratase, sumergiéndose en ella, identificándose, permitiendo que sus emociones y razonamientos den respuesta a las abstractas interrogantes planteadas.

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Las Margaritas

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Las margaritas es una clara muestra de la Nueva Ola de cine Checo, y nos muestra un cine experimental y surrealista.La directora nos da un canto de libertad. Nos deja una sensación de corte naïf. La película logra contagiarnos de su vitalidad, de la pureza de su aire provocador, de su espíritu contestatario, de su no rendirnos, de rebelarnos, de no conformarnos y, también, de disfrutar y festejar, pese a todo y a todos, nuestra existencia.

Son escenas donde rompen con lo establecido, no existen reglas o parámetros a seguir.  Es una película imaginativa, tan exquisita con cambios de color de la pantalla, además con escenas que una tras otra irán apareciendo inconexas y sin sentido alguna aparente. Lo divertido es ver cómo las dos protagonistas juegan a ser malas con su entorno. las dos chicas declaran una guerra a las convenciones sociales y el consumismo y gritan libertad mediante sus acciones y con la tonalidad ingenua e infantil.  Esto lo hace la directora lo maneja de manera exitosa ya que hace que los personajes se tomen tiempo de preguntar por el  sentido de su existencia y de sus actos.

En cuánto a la estética y a la forma, la película se contagia de ese espíritu libre y rebelde de las protagonistas.  Aparecen secuencias en color y en blanco y negro; sucesión de planos de colores que se mezclan y pueden ser estridentes, partes de diferentes dibujos y material de archivo junto a imágenes reales que se vuelven animaciones y dibujos. Lo más llamativo es el tratamiento experimental que combina color, blanco y negro, virados diversos, distintas velocidades y exposición de la película, colores chillones y decorados. Mucho dinamismo, con montaje abrupto; fragmentaciones; distintos niveles y juegos de sonido; cambios mágicos de vestuarios. Esto logra que se vuelva muy surrealista y que no sólo nos preguntemos qué es lo que pasa, sino que nos dejemos llevar por todos los estímulos y que más que nada disfrutemos. Es una película muy divertida, y que a mi parece resiste el paso al tiempo.

Además de un grito de libertad, ‘Las margaritas’ es una explosión de creatividad que volatiliza las convenciones narrativas, es  una obra caótica y experimental, irreverente y eternamente.

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RO GO PA G. ROsellini, GOdard, PAsolini, Gregoretti

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Esta película consta de cuatro episodios: Jean-Luc Godard dirige “Il Nuovo mondo”, Ugo Gregoretti, “Il Pollo ruspante”, Pier Paolo Pasolini, “La Ricotta” y Roberto Rossellini, “Illibatezza”. 

Es una obra colectiva, y que en un principio parece una secuencia de episodios que no tienen conexión, pero de ahí uno se da cuenta que hay un hilo conductor que es la transformación sociocultural que la sociedad europea estaba experimentando a principios de una década, la de los sesenta, que marcó el inicio de la modernidad y los cambios de valores de la misma. Lo 4 cortos tienen lo suyo y se vuelve una película con cierto ambiente de modernidad sesentero. Es una visión moderna con algunos hilos humorísticos e irónicos  de la sociedad del momento.Los cuatro cortos poseen temáticas no tan similares y terminan con resultados diferentes. Algunos tienen más definida y clara las temática socio-política, y un mensaje más claro.

ILLIBATEZZA (CASTIDAD, Rossellini) . Esun poco muy difuso y un matiz más del psicoanálisis. La “modernidad” es pura fachada.
LA RICOTTA (EL REQUESÓN, Pasolini) Una metáfora de la sociedad de clases. Destaca su humor inteligente y muy cinematográfico: gags visuales y diálogos ingeniosos. Sin dejar de ser ligero igual toca temas más profundos y pesados.
IL NUOVO MONDO (EL NUEVO MUNDO, Godard)  Con un corte de presentación fría y enigmática. Más serio, inteligente.
IL POLLO RUSPANTE (EL POLLO TRIGUERO, Gregoretti) .Un poco más sencillo en su desarrollo: un lenguaje ingenioso por su forma de criticar la sociedad y el sistema de la época. Mucha claridad de descripción y de cómo cada elemento está perfectamente encajado para hacer un relato perfecto.

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LA PASIÓN JUANA DE ARCO de Dreyer

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Por más que sea una historia de corte histórico, esta película no está narrada con un tono épico sino que se centra un poco más en las sensaciones por el proceso de inquisición a la que fue sometida Juana de Arco y  el cual terminó condenándola a muerte por herejía. Es una narración bastante diferente, no sólo por ser muda, sino que lo más impactante es la fuerza visual de los constantes primerísimos planos que sirven exagerar y acentuar lo dramático. En sus primeros planos se revela el carácter de los personajes que actúan, se ven sus reacciones, se captan sus pensamientos. Esto logra además que el espectador se identifique y vaya formando una relación bastante íntima y de empatía con la misma. Esta Juana no es una mujer heróica sino una sufriente, la mártir. El montaje que usó el director danés está muy bien armado  y la fotografía habla por sí sola cuando logra crear estas sensaciones tan profundas que te llegan al alma.

Al ser una película muda, la imagen se sobrepone a la palabra, y la deja de lado, no es para nada necesaria. Lo que además le suma más sensación de misterio, incertidumbre y angustia. Logra entonces exacerbar las pasiones humanas y la actitud ante el sufrimiento. El blanco y negro de la película suma a estos sentimientos también y con los planos además logran crear un ritmo constante y parejo que le da un aire de autenticidad.

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